40 ANOS

ESTA NOITE

(O FUTURO DE CINCO (?)

VIDAS NUMA NOITE.

ou

DA ARTE DE SE TOCAR NA FERIDA

COM DELICADEZA E CUIDADO.

ou

“QUALQUER MANEIRA DE AMOR

VALE A PENA,

QUALQUER DE MANEIRA DE AMOR

VALE AMAR” –

"PAULA E BEBETO" - 
MILTON NASCIMENTO

e

CAETANO VELOSO.)

          “Uma ideia na cabeça e uma câmera na mão”, ou vice-versa, não importa. (Glauber Rocha). E surgia o Cinema Novo. Mas não é de cinema que estou aqui, para falar. É sobre TEATRO. Um bom TEATRO. Um excelente TEATRO, daqueles que nos arrebatam e nos fazem voltar para casa extremamente felizes. Estou falando de “40 ANOS ESTA NOITE”, em cartaz no Teatro Ipanema, Rio de Janeiro (VER SERVIÇO).

            No caso, aqui, a ideia original veio da cabeça de GISELA DE CASTRO, e a câmera foi substituída pelo computador, que serviu de instrumento para que FELIPE CABRAL, autor do argumento e do texto, desse forma a um dos melhores textos dos últimos tempos. Sim, amigos, esta peça é excelente, daquelas que nos despertam a vontade de voltar no dia seguinte, o que estou pensando em fazer, neste momento.

O espetáculo, de uma maneira muito delicada e sutil, trata da, tão em voga, questão da formação de novos modelos familiares, as famílias homoafetivas.

SINOPSE:

A comédia dramática LGBTI+ discute questões relativas à sexualidade, relações parentais, gênero e preconceito, através do encontro de dois casais homoafetivos, na noite de comemoração pelos 40 anos de GABRIELA (GISELA DE CASTRO).

Morando junto com sua namorada, CLARICE (KARINA RAMIL), ela convida um amigo de infância, BERNARDO (GABRIEL ALBUQUERQUE), e seu namorado JOÃO (FELIPE CABRAL), para uma discreta celebração, e surpreende a todos com o convite para que BERNARDO se torne o pai do filho que as duas estão tentando ter, sem sucesso, através da inseminação artificial.

A partir daí, chovem conflitos por todos os lados, de toda sorte, e o que era para ser uma comemoração se torna uma discussão calorosa e que parece jamais atingir o fundo de um poço.

O final nos revela uma grata surpresa.

            O texto, de FELIPE CABRAL, partindo de uma ideia original de GISELA DE CASTRO, é uma aula de boa dramaturgia, em todos os sentidos. FELIPE consegue inserir humor, o ótimo humor, numa seara tão séria e preocupante, que tem sido motivo de grandes debates, e embates, entre os que apoiam a adoção de crianças, por casais homoafetivos, e os que são radicalmente contrários a isso. Trata-se de um texto inédito, totalmente adequado ao momento de intolerância contra a causa LGBT+, a que estamos submetidos, num país que, infelizmente, está sendo (des)governado por um “ser” incompetente e, declaradamente, homofóbico, o qual instiga as massas de manobra à agressão aos homossexuais e simpatizantes da causa, que é, única e exclusivamente, um “problema” de cada um, e que tem de ser respeitado.

         No programa da peça, BRUCE GOMLEVSKY diz que recebeu, com imensa alegria, o convite para dirigir a peça e que, assim que leu o texto, interessou-se pela sua atualidade e pela forma bem-humorada como, nele, se abordam temas importantes, que precisam ser discutidos na nossa atual realidade política, social e cultural. Perdão, BRUCE, mas qualquer diretor do teu conceituado gabarito teria tido a mesma reação. Fosse eu diretor de TEATRO, começaria a dirigir o espetáculo na hora, pelo aprofundamento da qualidade do texto. Raramente, nos dias atuais, encontra-se um, inédito, com tão incomensurável gabarito, em todos os sentidos.

            FELIPE CABRAL resolveu mexer, com muito cuidado, num grande vespeiro e traz, para a discussão, aspectos muitos áridos, como a discriminação e o preconceito; a dificuldade de aceitação da sexualidade alheia; a falta de diálogo, para que sejam aparadas as arestas quanto às diferenças, as quais são saudáveis e necessárias, além de ser uma realidade que ninguém pode negar. E a peça, tecnicamente muito bem escrita, acaba por se tornar, nas palavras de BRUCE, “uma ode ao amor, à amizade, ao afeto, à família, em todas as suas formas possíveis com que o núcleo familiar se manifesta hoje, em todas as suas formas possíveis, imagináveis e inimagináveis.”. Com seu texto, FELIPE dá voz a todos os que passam pelo mesmo sofrimento e lhes garante espaço para um grito de revolta e cobrança de respeito e justiça.

            Basta de sustentar a visão hipócrita e, falsamente, cristã de que “uma família é formada por um homem e uma mulher, unidos pelos laços matrimoniais, que geram filhos”. Antes, eram apenas os biológicos; a adoção foi um capítulo posterior. E por que casais homoafetivos não podem gerar, por inseminação artificial, filhos; ou adotá-los? Quer aceitemos ou não esse fato, é fundamental que se respeitem os direitos de quem deseja fazê-lo e enxergar nisso uma nova composição familiar, tão normal e com direito à felicidade, como o arquétipo que a sociedade nos impõe.

            Um dos pontos altos do texto, além da linguagem e da agilidade e inteligência empregadas nos diálogos, é a capacidade de conduzi-lo, o tempo todo, mesclando humor com falas mais dramáticas; não é uma comédia, como parece ser, de início, nem um drama rasgado; trata-se de uma deliciosa e inteligentíssima comédia dramático-romântica. Quando a discussão fica mais acalorada, à beira de um ataque de nervos, o humor chega, como válvula de escape, mas não por acaso, de graça; sempre presente com um tom crítico.

Antes de encerrar os comentários sobre a brilhante dramaturgia, quero parabenizar o ator FELIPE CABRAL, por ter incluído, o que me pareceu “caco”, mas que espero que seja incorporado, definitivamente, ao texto, a fala em que seu personagem faz sérias e justíssimas críticas ao senhor que, no momento, ocupa o cargo de maior responsabilidade da nação, sem que esteja preparado para isso, e lamenta o fato de um cidadão, no caso, um parlamentar, ter de recorrer ao autoexílio, para se livrar das ameaças de morte que vem recebendo, pelo fato de ser, assumidamente, “gay” e defender a causa de seus pares. Aproveito, também, para elogiar as falas em que o mesmo personagem apresenta dados estatísticos acerca das mortes e agressões a pessoas da população LGBT+, no Brasil – um verdadeiro absurdo, que precisa ter fim!!! Ainda quero elogiar o momento em que o personagem JOÃO conta a história do surgimento da bandeiro símbolo do movimento LGBT+. Lindo e emocionante relato!   

Passemos a tecer os devidos e merecidos comentários a um dos melhores diretores de TEATRO de sua geração, BRUCE GOMLEVSKY, tantas vezes premiado e, no momento, com algumas indicações a prêmios, por trabalhos executados em 2018. Extremamente inteligente e exigente no que faz, BRUCE percebeu, de saída, que não precisava ser mais um inventor da roda e que toda a força do espetáculo estaria no incrível texto, de CABRAL. Como não pode, e não deve mesmo, trabalhar sozinho, cercou-se de excelentes profissionais, para ajudá-lo a erguer, sem patrocínio, a vitoriosa montagem, tão recentemente estreada e já um grande sucesso, de público e crítica. Num primoroso trabalho de mesa, junto com os atores, foi definindo o perfil de cada um e encontrando a melhor zona de conforto para suas atuações, de modo que o espetáculo ficasse leve e, ao mesmo tempo, profundo. São ótimas as suas marcações e os mínimos detalhes, visivelmente, de direção, passados a cada ator/atriz.

            Que elenco fabuloso!!! O quarteto está afinadíssimo, no mesmo tom, na mesma sintonia, no mesmo alto rendimento em cena. Da primeira à última, os talentos se revelam. Praticamente, não se pode falar em protagonismo, do ponto de vista técnico-didático, dentro da estrutura de um texto teatral, se bem que o “plot” gire mais em torno do desejo – mais que isso, da necessidade – de GABRIELA, de ser mãe, uma vez que já estava “ficando velha”, para a maternidade. Por outro lado, o envolvimento dos quatro personagens é tão integral, com relação à problemática, que todos ganham relevo na trama e cada um dos que os representam dá um “show” particular de interpretação. “São quatro personagens muito diferentes, que se veem diante de uma oportunidade única: formar uma família. Como cada um encara isso é o conflito que os empurra um contra o outro.”, diz o autor do texto, como consta no “release”, enviado por BRUNO MORAIS (MARROM GLACÊ ASSESSORIA DE IMPRENSA). A tarefa de representar GABRIELA, CLARICE, BERNARDO e JOÃO não poderia ser melhor executada do que é, por GISELA DE CASTRO, KARINA RAMIL, GABRIEL ALBUQUERQUE e FELIPE CABRAL, respectivamente. Já conhecia, e admirava, o trabalho de três, do elenco, mas, salvo engano, não tivera, ainda, a oportunidade e o prazer de ver GABRIEL ALBUQUERQUE atuando. Como é bom o seu trabalho!!!

            Os elementos técnicos de suporte à peça funcionam perfeitamente. O cenário é “clean” e, principal e intencionalmente, quero crer, transparente, como devem ser todas as relações afetivas e amigáveis. A ação inteira se passa numa sala de jantar, com todas as peças (mesas e cadeiras) em acrílico transparente, incolor; todos os utensílios utilizados durante o jantar “festivo” também são transparentes e incolores. Acima da mesa, funcionando como uma gigantesca luminária, um conjunto de várias bolas, de igual forma, transparentes e incolores, que absorvem a excelente luz de RUSSINHO. O belo e criativo cenário é assinado pelo “craque” FERNANDO MELLO DA COSTA. CAROL LOBATO, sempre esbanjando bom gosto, criou lindos e bem talhados figurinos, com destaque para o macacão usado por JOÃO, de “jeans”, com detalhes de aplicações, vazadas, de plástico transparentes. Aí, já entram os meus devaneios: JOÃO é “gay” assumido, daí os apliques das transparências; por outro lado, seu namorado, BERNARDO, já teve namoradas e vive meio dentro do armário, enrustido, fora de seu círculo de amigos “gays”, talvez, por isso, trajando-se bem discretamente, no estilo “casual” fino. KLEITON RAMIL é o responsável pela trilha sonora da peça.   

FICHA TÉCNICA:

Ideia Original: Gisela de Castro

Argumento e Texto: Felipe Cabral

Direção: Bruce Gomlevsky

Assistente de Direção: Bruna Diacoyannis

Elenco: Felipe Cabral, Gabriel Albuquerque, Gisela de Castro e Karina Ramil

Cenário: Fernando Mello da Costa

Figurino: Carol Lobato

Iluminação: Russinho               

Trilha Sonora: Kleiton Ramil

Preparação Vocal: Verônica Machado

Fotos de Divulgação: Dalton Valério

Design Gráfico: Redson

Redes Sociais: Rafael Teixeira

Assessoria de Imprensa: Marrom Glacê Assessoria - Gisele Machado & Bruno Morais

Direção de Produção: Luciana Duque

Produção Executiva: Tatiana Alvim

SERVIÇO:

Temporada: De 12 de janeiro a 25 de fevereiro de 2019.

Local: Teatro Ipanema.

Endereço: Rua Prudente de Morais, 824 – Ipanema – Rio de Janeiro.

Telefone: (21) 2267-3750.

Dias e Horários: Sábado, às 21h; domingo e 2ª feira, às 20h.

(Haverá um debate, toda 2ª feira, após o espetáculo.)

Valor dos Ingressos: R$50,00 (inteira) e R$25,00 (meia entrada).

Ingressos à venda “on line” ou na bilheteria, de 5ª feira à 3ª feira, aberta uma hora antes do início do espetáculo que estará em cartaz naquele determinado dia.

Duração: 90 minutos.

Classificação Etária: 16 anos.

Gênero: Comédia Dramática.

            Muito distante do que possa parecer, o espetáculo não é voltado para o público LGBT+. É para todos. É para pessoas inteligentes, sensíveis e abertas ao diálogo. Creio que tudo o que FELIPE CABRAL intencionava, com seu magnífico texto, ele o consegue: fazer com que a reflexão seja o prato principal, servido naquele jantar, no lugar do tão esperado “bobó de camarão da CLARISSA” (Perdão: "CLARICCCCCCEEEEE!"), e que a plateia “sinta a tensão e pondere os pontos de vista de cada um, na construção dessa nova possível família” (Extraído do já citado “release”.).

Com o objetivo de “inserir os espectadores, de forma ampla, no universo LGBTI+”, a produção realiza, todas as 2ªs feiras, após a sessão, debates com pessoas de notável saber e envolvimento com a causa LGBT+.

 “Acredito que estamos vivendo uma transição, em termos de visibilidade desta temática. Eu acho sensacional que tenhamos mais peças assim, até para que o público não seja somente de espectadores LGBTI+. Se eu assisto a peças em que o conflito é centrado em personagens heterossexuais, e isso nunca foi um problema para mim, por que o contrário seria?”, encerra o autor. Muito bem, FELIPE! BRAVO!!!

RECOMENDO, COM MUITO EMPENHO, O ESPETÁCULO!!!

E VAMOS AO TEATRO!!!

OCUPEMOS TODAS AS SALAS DE ESPETÁCULO DO BRASIL!!!

A ARTE EDUCA E CONSTRÓI!!!

RESISTAMOS!!!

COMPARTILHEM ESTE TEXTO, PARA QUE, JUNTOS,

POSSAMOS DIVULGAR O QUE HÁ DE MELHOR NO

TEATRO BRASILEIRO!!!

(FOTOS : DALTON VALÉRIO.)

FULANINHA

E

DONA COISA

(UMA COMÉDIA DIGESTIVA,

COM A CARA DO

VERÃO CARIOCA.

ou

O QUE DÁ PARA RIR

DÁ PARA REFLETIR.)

           Dando continuidade a uma vitoriosa trajetória, iniciada em Niterói, em 2017, passando por uma longa temporada, para os dias de hoje, de três meses, em São Paulo, e depois de ter feito uma turnê, pelas cidades de Fortaleza, Recife, Natal, Belo Horizonte, Salvador, Novo Hamburgo e Porto Alegre, todas com estrondoso sucesso de público e crítica, chegou ao Rio de Janeiro, para uma curta temporada, a comédia “FULANINHA E DONA COISA”, em cartaz no Teatro FIRJAN SESI Centro (VER SERVIÇO.).

            Pode um texto fazer tanto sucesso, nos dias de hoje, tendo sido escrito há 30 anos? É claro que sim! Por que não? Basta ser de boa qualidade, receber uma roupagem nova, bem moderna, que a temática seja, de preferência, atemporal e que chegue facilmente ao grande público. É o caso de “FULANINHA E DONA COISA”, texto de NOEMI MARINHO, com direção de DANIEL HERZ, trazendo NATHALIA DILL (FULANINHA) e VILMA MELO (DONA COISA), como protagonistas, ao lado de TIAGO HERZ (MIGUEL).

SINOPSE:

            Explorando o bom humor, “FULANINHA E DONA COISA” retrata as dificuldades da convivência diária entre patroa e empregada, falando de duas mulheres que apresentam extremas diferenças de origem, duas pessoas, ao mesmo tempo, tão ricas e distintas.

De um lado, DONA COISA (VILMA MELO), mulher moderna, independente, recém-separada do marido, que prefere manter certa distância em suas relações. Do outro, FULANINHA (NATHALIA DILL), uma jovem com a cabeça cheia de sonhos, que chega do interior, para trabalhar como empregada doméstica, leva um choque cultural, diante de tanta tecnologia, até então, desconhecida para ela, e se envolve, afetivamente, com MIGUEL (TIAGO HERZ), técnico de uma companhia telefônica.

Boa parte do humor vem das trapalhadas de FULANINHA, a qual, diante de tanta coisa “diferente”, resolve, por exemplo, lavar roupas na piscina do prédio, achando que fosse um “açude de gente rica”, e colocá-las, para secar, na rede de vôlei; que leva tremendos sustos com o toque do telefone, com o qual demora a criar uma “intimidade”; que se confunde com o elevador...

Apesar de todos os óbices e de sua matutice, FULANINHA tem um misto quê de ingenuidade e esperta e usa a inteligência para conquistar a patroa, a qual só admite a empregada, em sua casa, com muitas exigências, como dormir no local, trabalhar nos finais de semana e não namorar.

Ignorando seus direitos trabalhistas, a moça concorda com as exigências da patroa (até a página 5), por também gostar desta e se faz valer disso, para tirar proveito daquela casa, como se ela fosse sua, como se fosse um membro da família, usando as roupas de DONA COISA e comendo suas comidas preferidas.

O relacionamento entre as duas proporciona boas gargalhadas e serve para que o público perceba, nas entrelinhas ou por trás de certas “piadas”, críticas à sociedade e ao tratamento opressivo, muitas vezes, dispensado aos serviçais.

           O espetáculo é uma comédia leve, com a cara do verão carioca. Uma peça “retrô”, como a classifica o diretor, DANIEL HERZ, o qual acrescenta que “Todos temos, na vida, um lado FULANINHA e um lado DONA COISA” e que optou por uma direção bem diferente da que foi assinada por Marco Nanini, em 1991, e que trazia Aracy Balabanian, como DONA COISA e Louise Cardoso, vivendo a FULANINHA. Na época, a peça ficou sete anos em cartaz. Depois, vieram outras montagens, antes desta que estamos analisando.

           Optando por uma encenação afastada do realismo, HERZ achou por bem manter detalhes e elementos anacrônicos, na sua montagem, encontrados na década de 90, como, por exemplo, para ficar apenas no campo da comunicação, o velho telefone com fio, fixo, que, às vezes, resolvia “não dar linha”; a secretária eletrônica, que nos salvava de atender às chamadas indesejáveis; e o “bip” de mensagens. Outro objeto, interessantemente colocado em cena, em tamanho gigante, e que contém um significado, no corpo da peça, sobre o qual falarei adiante, é o desafiador cubo mágico.

           Mas é claro que a peça também ganhou toques de contemporaneidade, em função dos avanços que a legislação trabalhista, afeta às empregadas domésticas, atingiu. DANIEL ficou atento a isso, porém manteve a fidelidade ao texto original, sabendo explorar, com acerto, a forte dose de humor nele contido. Não há, na ficha técnica, menção a alguém, em especial, responsável pela direção de movimento, o que me leva a concluir que as boas marcas, os deslocamentos dos atores em cena, com alguns toques quase que coreográficos, leves e engraçados, ainda que, alguns, meio previsíveis, são atribuídos ao próprio diretor.

          FULANINHA passa longe daquela empregada doméstica de antigamente, que só era admitida, se dormisse no emprego, o que significava, praticamente, estar a serviço da família contratante 24 horas por dia, sem folga, podendo ser convocada a trabalhar a qualquer hora, do dia e da noite. Era como se fosse da família, mas, no fundo, salvo raras exceções, não passava de uma agregada, de uma serviçal, com aquele ranço de escrava, principalmente porque a grande maioria pertencia à raça negra; ou eram nordestinas ou mocinhas do interior, analfabetas, as preferidas, para “aprender o serviço e se moldar ao meu gosto”. Isso mudou, e muito, graças a Deus, embora ainda se encontrem “fulaninhas” por aí. Anônimas. É quanto a esse aspecto que a peça nos oferece um prato cheio para reflexões.

           Pode ser, também, que a relação patroa / empregada sirva apenas de um pretexto para outra intenção. É possível que, também, antes de mais nada, o que se vê em cena, em primeiro plano, sejam duas mulheres díspares, cara a cara, discutindo e trocando ideias e conselhos sobre as suas carências, os seus diferentes tipos de solidão, seus anseios, sonhos, suas frustrações, perdas...

            Isso fica bem marcado, no texto de NOEMI MARINHO, quer no que está escrito, para ser dito pelas atrizes, quer pelo que fica implícito, nas entrelinhas e nos silêncios. Considero a dramaturgia boa, por sua simplicidade, que leva a uma fácil assimilação, por parte do grande público, mesmo pelos que não são tão “habitués” das salas de espetáculo.

           Voltando à direção, de DANIEL HERZ, agrada-me muito o detalhe da escolha das atrizes que interpretam a patroa e a empregada, pormenor que intriga alguns desavisados ou “pré-conceituosos”. A patroa é negra e a empregada é branca. Por que não? Por que não subverter os estereótipos? Grande sacada! Melhor ainda, na cena, ainda que breve, na qual as atrizes mudam de personagens, dizendo um mesmo texto, já previamente apresentado ao público. É, segundo HERZ, “uma brincadeira”, que serve, segundo a minha visão, para intensificar a mensagem de que “o que vocês estão vendo é de verdade”.

“É engraçado observar como temos tantos brasis dentro do Brasil. Em algumas cidades, quando entrávamos em cena, muitos se perguntavam: ‘É aquela ali que é a Dona Coisa? É a Nathalia Dill que faz a empregada?’. Então, temos, também, com a peça, o compromisso social de mudar esse olhar; o olhar do por que não?”, comenta a atriz VILMA MELO.

            “A possibilidade de emocionar o público, dentro de uma comédia, é algo que me instiga e me interessa”, comenta DANIEL HERZ.

“No momento em que o país passou por transformações, nos direitos trabalhistas dos empregados domésticos, a peça aparece como uma oportunidade de falar das recentes modificações, de maneira bem-humorada, sem deixar de ser informativa. Um espetáculo que fala das muitas possibilidades e ambiguidades que existem numa relação entre o personagem que oprime e o que é oprimido”, afirma o produtor EDUARDO BARATA, que foi assistente de direção de Marco Nanini, na montagem de 1991.

“A gente fala de uma relação muito complexa, porque é trabalhista e, ao mesmo tempo, acontece dentro de casa. O público se identifica muito; ora com uma, ora com outra”, aponta NATHALIA DILL. Eu acrescento que o texto apresenta uma relação de interdependência entre as protagonistas, o que uma acaba, no fundo, no fundo, por enxergar na outra, sem demonstrar isso de forma clara.

É bem acertado o trabalho do trio de atores. VILMA, veterana dos palcos, mais uma vez, empresta seu talento para construir uma personagem, até certo ponto, um pouco exagerada, nas suas ações, impressão inicial, que é desfeita, com o decorrer da peça. Sua “expansividade” parece-me bem proposital, para contrastar com o comportamento comedido e caipira da personagem de NATHALIA, a qual, aos poucos, também vai se soltando e se adaptando às exigências do novo meio. Atriz mais presente na TV, NATHALIA mostra que é uma boa atriz de TEATRO, também. Duas boas atuações. Quanto a TIAGO HERZ, o qual substituiu Rafael Canedo, que era o titular do papel, ele executa sua função de forma discreta, para não ofuscar as ações das duas protagonistas e funciona muito bem como personagem coadjuvante.

FERNANDO MELLO DA COSTA nos brinda com um ótimo cenário, despojado de muitos detalhes, bastante comedido, intencionalmente, para dar, ao público, a oportunidade de “viajar” na imaginação e ver o que não está, concretamente, em cena. Considero genial sua ideia de pôr, no palco, ao fundo, duas janelas, sem a forma tradicional destas, representadas por uma espécie de persiana, e um gigantesco cubo mágico, numa das laterais do palco, que serve como mesa, sobre o qual se vê, apenas, um aparelho telefônico antigo, vermelho. Aquele espaço é uma sala de estar, cuja imagem será completada ao gosto de cada um espectador. Também a ausência de mais elementos cenográficos em cena, deixando o palco livre, possibilita que esse mesmo espaço sirva a outros. Voltando ao cubo mágico, armo-me de coragem para “voar” e ver nele algo simbólico, representando o alto grau de dificuldade de entendimento entre patroa e empregada, considerando-se quão difícil é a resolução que ele propõe a quem intenciona deixá-lo com todas laterias completadas com a mesma cor. Viajei muito?  

Diante do ritmo acelerado, imposto pelo texto, com muitas cenas curtas, e pela direção, diante da possibilidade real de tantas mudanças de cena, CLÍVIA COHEN teve a genial ideia de criar um figurino funcional, que passasse por transformações em múltiplos elementos e adereços. Assim, por exemplo, “Uma hora, a bolsa da DONA COISA vira o avental de FULANINHA (símbolo da empregada doméstica); outra hora, a saia vira um mantô (símbolo de poder e riqueza). Então, assim como a relação entre as duas vai se transformando, os figurinos seguem a mesma proposta”, diz a figurinista.

RENATO MACHADO assina uma luz muito interessante, que valoriza as cenas e se adéqua à proposta de focar, dependendo da situação, mais o empoderamento de uma ou outra personagem protagonista.

A montagem é embalada uma boa direção musical, feita por LEANDRO CASTILHO, que compôs vinhetas e selecionou trilhas que auxiliam nas transições de cenas. “A música contribui bastante com o humor. Aproveitei ritmos bem brasileiros, como batucada de tamborim, cuíca e samba.”, acrescenta o diretor musical.

FICHA TÉCNICA:

Texto: Noemi Marinho

Direção: Daniel Herz

Assistência de Direção: Tiago Herz

Elenco: Nathalia Dill, Vilma Melo e Tiago Herz (Do dia 24/01 até 10/02, o papel de Fulaninha, será interpretado pela atriz Cláudia Ventura.)

Cenário: Fernando Mello da Costa

Figurino: Clívia Cohen

Iluminação: Renato Machado

Direção Musical e Trilha Sonora Original: Leandro Castilho

Fotos: Gui Maia

Direção de Produção: Elaine Moreira

Produção Executiva e Diretor de Palco: Tom Pires

Idealização e Produção: Eduardo Barata

Assessoria de Imprensa: Barata Comunicação – Julie Duarte

SERVIÇO:

Temporada: De 11 de janeiro a 10 de fevereiro de 2019.

Local: Teatro Firjan SESI Centro.

Endereço: Avenida Graça Aranha, n°1 – Centro – Rio de Janeiro (Metrô estação Cinelândia).

Tel: (21) 2563-4164.

Dias e Horários: De 5ª feira a sábado, às 19h; domingo, às 18h.

Valor do Ingresso: R$40,00 (inteira) e R$20,00 (meia entrada).

Duração: 70 minutos.

Classificação Etária: 12 anos.

Gênero: Comédia.

            “FULANINHA E DONA COISA” é uma comédia de família para família. Leve e, aparentemente, despretensiosa, a peça consegue arrancar, do público, boas gargalhadas, que geram uma “recompensa”, ao final da última cena, por meio de aplausos prolongados ao elenco.

            RECOMENDO O ESPETÁCULO.

E VAMOS AO TEATRO!!!

OCUPEMOS TODAS AS SALAS DE ESPETÁCULO DO BRASIL!!!

A ARTE EDUCA E CONSTRÓI!!!

RESISTAMOS!!!

COMPARTILHEM ESTE TEXTO, PARA QUE, JUNTOS,

POSSAMOS DIVULGAR O QUE HÁ DE MELHOR NO

TEATRO BRASILEIRO!!!









Nathalia Dill, Vilma Melo e Cláudia Ventura.

(FOTOS : GUI MAIA.)