O TEATRO ME REPRESENTA!: abril 2023

domingo, 30 de abril de 2023

“MACACOS”

(“O ‘MACACO’

TÁ CERTO”*.)

(*Bordão do

programa humorístico

"O Planeta

dos Homens", exibido,

de 1976 a 1982,

pela TV Globo.)

(NOTA: Em função da grande quantidade de críticas a serem escritas, entre espetáculos que fizeram parte do “31º FESTIVAL DE CURITIBA” e outros, assistidos no Rio de Janeiro e em São Paulo, por algum tempo, fugirei à minha característica principal, como crítico, de mergulhar, “abissalmente”, nos espetáculos, e vou me propor a ser o mais objetivo e sucinto possível, numa abordagem mais “na superfície”, até que seja atingido o fluxo normal de espetáculos a serem analisados.)

Saí de casa, ontem, no início da noite, para ir a um Teatro, mais propriamente, o Teatro Ipanema, mas, sem querer, fui parar numa carteira da “Escola 2-18 Irmã Zélia”, do “Colégio Estadual Professor Clóvis Monteiro” ou da “Faculdade de Letras da UFRJ” e, durante 140 minutos, que equivalem, aproximadamente, a quase três tempos de aula, aprendi o que me foi negado saber durante 73 anos, embora, de muita coisa, eu já desconfiasse. Tive a mais completa aula de História do Brasil, de HUMANIDADE, de Justiça Social, de Cidadania e de tantas outras “disciplinas” que nunca pensei, um dia, ter.

Logo no início do espetáculo “MACACOS”, em cartaz, numa temporada relâmpago, infelizmente, no Teatro Ipanema, Rio de Janeiro, CLAYTON NASCIMENTO, que escreveu o texto, dirigiu a si mesmo e, obviamente, atua, diz que ali, naquele palco, naquele momento, ele seria o que bem entendesse, o quisesse ser, e, dentre tantas profissões e personalidades listadas, estava o “PROFESSOR”, que foi, exatamente, como ele se comportou durante toda a encenação.

Sempre achei que o professor, ofício que abracei, há 50 anos, e no qual me mantive durante 47, do início da manhã até o final da noite, chovesse ou fizesse sol, diariamente – inclusive aos sábados e domingos, às vezes -, é uma espécie de ator, porque tem um “texto decorado”, para ser passado adiante, independentemente de estar bem ou mal de saúde ou com problemas pessoais ou não.

Se notarem, na FICHA TÉCNICA mais abaixo, verão que, nela, não constam nomes de artistas de criação responsáveis pela cenografia e o figurino da peça. O motivo é muito simples: o palco está nu e o ator/professor usa apenas uma bermuda de moletom, preta. Aqueles dois elementos são totalmente dispensáveis numa "aula" sem “parafernálias tecnológicas”, ministrada na base do “cuspe e giz”; na verdade, apenas "cuspe e batom".

O “release” da peça, que me chegou às mãos via ALESSANDRA COSTA (AC Assessoria de Imprensa e Comunicação) diz que “O apagamento das memórias e ancestralidades negras dão a tônica no espetáculo...”. Sim, é disso que o solo trata, mas não apenas; ou todas as provocações que partem do palco para a plateia são fruto desse “apagamento”.

SINOPSE:

O espetáculo aborda a estruturação do racismo no Brasil, a partir do relato de um homem negro em busca outros espaços para ocupar, diante do adjetivo MACACO, que nomeia a obra.

O ator, diretor e dramaturgo CLAYTON NASCIMENTO lembra que, em muitos casos, o adjetivo é utilizado como xingamento ao povo negro.

Além disso, a peça trata sobre episódios da História Geral do país, até chegar aos relatos e estatísticas das mães e famílias dos jovens negros presos ou executados pela Polícia Militar, no Brasil, de 1500 até 2021.

Confesso que, sempre que assisto a um espetáculo teatral que trata de qualquer questão de forma muito panfletária, deixo o Teatro incomodado, o que, absolutamente, aconteceu depois de ter assistido a “MACACOS” - não por esse motivo, pelo menos -, simplesmente porque CLAYTON NASCIMENTO disse tudo o que deveria mesmo ser dito, porém de uma forma clara, didática, sem nenhum subterfúgio ou intenção oculta ou, até mesmo, escusa, nas entrelinhas, porém sem deixar de exigir uma reflexão do público, de predominância branca, sobre os direitos de seus pares e uma reparação por conta de tudo quanto os prejudica até hoje. Justiça e igualdade acima de tudo. Deixei o Teatro Ipanema, isso sim, totalmente impactado com aquela “AULA MAGNA” e muito feliz por ter ampliado os meus horizontes e ratificar muitas informações.

O espetáculo começou a ser desenhado, por CLAYTON, em 2015, só tendo, porém, chegado ao grande público, começando a conquistar a visibilidade de que desfruta hoje, em 2020, por ocasião do “Festival Verão Sem Censura” e pelo “Festival Farofa”, ambos em São Paulo, realizados um mês antes da pandemia da Covid-19, que fez com que a carreira da peça fosse interrompida. De lá, ela já foi vista por plateias de Minas Gerais, Espírito Santo, Ceará, Pernambuco, Brasília e Amazonas, fez temporadas recentes na capital paulista e, agora, volta aos palcos cariocas. Por que “volta”? Em 2016, o Rio de Janeiro já teve a oportunidade de conhecer “MACACOS”, numa versão mais curta, por um único dia – 02 de dezembro -, no “20º Festival de Teatro do Rio”, na Sala Baden Powell, com entrada gratuita. Infelizmente, eu não estava lá.

Além de um grande intérprete, que conquistou os prêmios de MELHOR ATOR no “Prêmio SHELL – São Paulo” e no “Prêmio da APCA” (Associação Paulista de Críticos Teatrais), ambos no ano em curso, além de outros, ele e a peça, desde 2016 até hoje, CLAYTON se mostrou um excelente dramaturgo, que, como bom estudioso, mergulhou profundamente e de forma obstinada, em pesquisas e estudos, para que nada de importante ficasse de fora, no seu “microscópio”.

ULISSES DIAS, diretor da BARÁ PRODUÇÕES e produtor geral do espetáculo, é muito preciso, quando diz que “‘MACACOS” é uma montagem que conta somente com um ator e um batom e trata do preconceito contra os povos pretos, a partir do relato de um homem preto que busca respostas para o racismo que rodeia seu cotidiano e a história de sua comunidade”.

É CLAYTON quem afirma: “Os questionamentos desse homem negro convidam o público a pensar e debater sobre os preconceitos mascarados que existem na estruturação e no cotidiano brasileiro. Com a pandemia do COVID-19, esses números se agravam e aumentam, evidenciando, assim, o grande desequilíbrio social no qual nossa nação está estruturada”. E prossegue: “A obra se desenrola num fluxo de pensamentos, desabafos e elucidações, que surgem em cenas pautadas em nossa história geral, como também em situações vividas por grandes artistas negros - Elza Soares, Machado de Assis e Bessie Smith -, até alcançar relatos e estatísticas de jovens negros presos e executados pela Polícia Militar, no Brasil de ontem e de 2021”. Sim, é exatamente isso o que vemos no palco do Teatro Ipanema.

O homem/ator CLAYTON NASCIMENTO é muito “poderoso”. Se não o fosse e “abusasse” do direito de ser carismático e da capacidade de fácil comunicação com pessoas, não conseguiria, num monólogo, ser o alvo das atenções de uma plateia lotada, durante mais de duas horas, plateia esta que, ao final da apresentação, não se cansa de aplaudir o trabalho daquele ator, com o acréscimo de muitos brados de “BRAVO!”. Em mais de 50 anos de total dedicação ao TEATRO, não me recordo de ter assistido a um solo com tal duração. Via de regra, monólogos giram em torno de uma hora. CLAYTON é muito corajoso, ousado, com a sua proposta de apresentar um monólogo autointitulado de “peça-denúncia”, mas o faz, certamente, porque “confia no seu taco”, tem consciência de seu talento e da importância de “MACACOS”, principalmente nos dias atuais, depois de quatro anos de trevas em que o país esteve mergulhado.

De forma muito inteligente, sabedor de que o humor, por excelência, é crítico, um “vetor” para se atingir a denúncia, CLAYTON não dispensa essa maneira de atingir o público, até como uma forma de atenuar um pouco o peso da temática questionada.

À sequência de verdades históricas que, determinadamente, vêm sendo “varridas para debaixo do tapete”, nos livros e nas salas de aula, por décadas e séculos, o dramaturgo acrescenta detalhes de sua vida pessoal e de sua trajetória como estudante carente, bolsista, por boa parte de sua vida, dos 8 aos 23 anos, em busca de saber, como base para atingir a condição de cidadão. “MACACOS” é produto de uma imensa valorização da EDUCAÇÃO, na qual CLAYTON, acertadamente, “aposta todas as suas fichas”.

Em seu profundo trabalho de pesquisa, o dramaturgo não deixou passar a oportunidade de tocar na estúpida contradição que há na letra do “Hino da Proclamação da República”, escrita por José Joaquim de Campos da Costa de Medeiros e Albuquerque, em 1890, um pouco mais de um ano após a "libertação dos escravos", ou seja, a assinatura de um documento, pela Princesa Isabel, "A Redentora, que, até hoje, é tido como o que determinou, e efetivou, a libertação dos escravizados. No mesmo hino que contém os versos "Liberdade! Liberade! Abre as asas sobre nós! Das lutas na tempestade / Dá que ouçamos tua voz!", o letrista em a "cara de pau" de escrever “Nós nem cremos que escravos outrora / Tenha havido em tão nobre País.”, da mesma forma como alguns “cretinos” negacionistas afirmam não ter havido o holocausto.

Aproveitando o “gancho”, chamo a atenção para o fato de, por várias vezes, no texto, aparecer o vocábulo “genocídio”, referindo-se à morte maciça de negros no Brasil. Creio ser útil esclarecer que o dramaturgo, ao utilizar tal palavra, está se referindo a um processo que vem se arrastando desde a chegada dos primeiros escravizados, trazidos da África e, de forma mais expressiva, após a “Lei Áurea”. Geralmente, as pessoas – eu também pensava assim – acham que o termo se ajusta ao “extermínio deliberado, parcial ou total, de uma comunidade, grupo étnico, racial ou religioso”, NUM DETERMINADO MOMENTO, APENAS, normalmente apresentando o já citado holocausto como exemplo, ocorrido de 30 de janeiro de 1933 a 08 de maio de 1945. Para sensibilizar melhor as pessoas, é sempre oportuno lembrar que o genocídio é um conceito aplicado a qualquer tentativa de exterminar um grupo de pessoas, por conta de sua etnia, raça, religião ou nacionalidade, considerado um crime contra a humanidade, por meio de uma determinação realizada pela ONU, em 1948.

No palco do Teatro Ipanema, vi um homem negro, um ator visceral, de superlativas possibilidades e qualidades, numa atuação “verbo-corporal” de ideias e sentimentos. CLAYTON se expressa por meio dos fonemas que saem de sua boca e pelos múltiplos movimentos de seu corpo, como ferramenta de trabalho, que ele domina e “doma” com total perfeição. O trabalho de direção de movimento, feito por ANINHA MARIA MIRANDA, é excelente e exige muita dedicação, esforço e resistência, por parte do ator.

Se, dos elementos de criação, nada de expressivo há a ser dito sobre cenografia e figurinos, não posso deixar de tecer um elogio ao brilhante trabalho proposto por DANIELE MEIRELLES, em seu desenho de luz, digno de premiações, na minha modesta opinião. A iluminação tem uma importância imensa nesta teatralização. Os efeitos de “black-out” e as variações de cores e intensidade enriquecem, sobremaneira, a plasticidade da encenação, deixando, sempre, o espectador esperando novas e agradáveis surpresas.

Uma boa parte da duração do espetáculo é destinada à abordagem do brutal assassinato de menino Eduardo de Jesus, então com apenas 6 anos de idade, em 2015, no Complexo do Alemão, Rio de Janeiro, por PMs, durante uma operação policial, quando, inocentemente, brincava com um carrinho, na porta de casa. A criança recebeu um tiro certeiro de fuzil, na cabeça. Terezinha Maria de Jesus, sua mãe, ao tentar, desesperada e inutilmente, socorrê-lo, além de ter uma arma apontada para a sua cabeça, teve que ouvir, do policial assassino, que ele havia matado “um filho de bandido” e que poderia fazer o mesmo com ela. As cenas causam uma grande comoção no público e algumas pessoas chegam às lágrimas. Esse caso foi julgado apenas em 2016 e os policiais que participaram dessa desprezível operação foram considerados inocentes e, consequentemente, absolvidos. Em sua defesa, os frios assassinos alegaram ter confundido o brinquedo da criança com uma arma. Fecha o pano!

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia: Clayton Nascimento

Direção: Clayton Nascimento

Direção Técnica: Danielle Meirelles

Provocação Cênica: Ailton Graça

Atuação: Clayton Nascimento

Direção de Movimento: Aninha Maria Miranda

Iluminação: Danielle Meirelles

Fotos: Mariana Ricci

Produção Geral: Ulisses Dias (Bará Produções)

SERVIÇO:

Temporada: De 28 de abril a 07 de maio de 2023.

Local: Teatro Ipanema.

Endereço: Rua Prudente de Morais, 824, Ipanema – Rio de Janeiro.

Capacidade: 192 lugares.

Dias e Horários: 6ª feira e sábado, às 20h; domingo, às 19h.

Valor dos Ingressos: R$80,00 e R$40,00 (meia entrada).

Ingressos à venda pela plataforma Sympla.

Indicação Etária: 14 anos.

Gênero: Monólogo Dramático.

“MACACOS” é apresentado pela "CIA. DO SAL", grupo que surgiu na ocasião de sua estreia, em 2016, formado por atores e atrizes pesquisadores da cena, vindos da “Escola de Arte Dramática da USP – EAD”, “Escola Livre de Teatro de Santo André – ELT” e Célia Helena Centro de Artes e Educação. Em seu corpo, a CIA. DO SAL conta com artistas negros, brancos, trans, “gays”, héteros, paulistanos, cariocas e nordestinos, “que pesquisam seus anseios dentro do coletivo. A principal ideia é contar, junto ao povo, fatias e memórias da nossa história.”. “SAL” dá origem à palavra “salário”, e Brecht dizia: “O sal do suor do operário é o que tempera a comida do patrão.”. Isso dá margem a uma boa reflexão.

NOTA: A íntegra do texto de “MACACOS” foi recém-publicada pela “Cobogó”, editora do Rio de Janeiro (Adquiri, no Teatro Ipanema, o meu exemplar.), e a obra fará parte do conteúdo didático de escolas públicas da cidade de São Paulo, a partir de 2023.

RECOMENDO, COM TODO O MEU EMPENHO, ESTE MAGNÍFICO ESPETÁCULO!

FOTOS: MARIANA RICCI

VAMOS AO TEATRO,

COM TODOS OS CUIDADOS!!!

OCUPEMOS TODAS AS SALAS DE ESPETÁCULO

DO BRASIL,

COM TODOS OS CUIDADOS!!!

A ARTE EDUCA E CONSTRÓI, SEMPRE!!!

RESISTAMOS, SEMPRE MAIS!!!

COMPARTILHEM ESTE TEXTO,

PARA QUE, JUNTOS,

POSSAMOS DIVULGAR

O QUE HÁ DE MELHOR NO

TEATRO BRASILEIRO!!!

sexta-feira, 28 de abril de 2023

“BONNIE

CLYDE”

(MAIS QUE UMA

RAJADA DE BALAS,

UM GRANDE MUSICAL.)

Não me sinto atraído, nem por uma “fração de milímetro”, por histórias de amor bandido, gângsteres e máfia. Se fosse um filme, certamente, eu não teria ido ao cinema, como, de fato, aconteceu, quando “Bonnie & Clyde: uma Rajada de Balas” chegou às telas brasileiras. Havia, porém, três fortes razões para que eu me dispusesse a ir ao "033 Rooftop" do Teatro Santander, em São Paulo, a fim de assistir a uma peça: 1º) era TEATRO; 2º) era TEATRO MUSICAL; 3º) havia gente querida e muito talentosa, na FICHA TÉCNICA, o que não pesou, em nada, nesta análise crítica sobre o espetáculo, que inicio agora.

“BONNIE & CLYDE” é mais uma superprodução da Broadway, que aportou no Brasil, o primeiro país da América Latina a realizar uma montagem do musical, protagonizado por ELINE PORTO (Bonnie) e BETO SARGENTELLI (Clyde), contando, ainda, com ADRIANA DEL CLARO (Blanche), CLAUDIO LINS (Buck) e grande elenco, com produção da “DEL CLARO PRODUÇÕES” e “H PRODUÇÕES CULTURAIS”, direção assinada por JOÃO FONSECA, direção musical de THIAGO GIMENES e coreografias de KEILA BUENO, sem falar nos outros renomados e premiados criativos.

Fui conferir a montagem, numa segunda sessão de domingo (23 de abril de 2023), com a melhor das expectativas, ultrapassada, diante do que, num trabalho coletivo, me foi dado ver. É muito gratificante a experiência: achar que vai ser bom, e constatar que isso é pouco; é ótimo.

SINOPSE:

Movidos por paixão, ambição e adrenalina, as vidas de Bonnie Parker (ELINE PORTO) e Clyde Barrow (BETO SARGENTELLI) se cruzam, pela primeira vez, em uma lanchonete, onde ela, uma garçonete, conhece o “delinquente de carteirinha”, por quem se vê seduzida a embarcar em um mundo de viagens e crimes, entre fugas e prisões, carros roubados, armas e charutos, assaltos a postos de gasolina, pequenos comerciantes e grandes bancos, sem imaginar que, pouco tempo depois, se tornariam um retrato histórico da “Grande Depressão”, período marcado pela crise econômica e social americana, que levou muitas pessoas a cometerem delitos em função do desespero e revolta, e a enxergar a dupla como figuras heroicas.

Desafiando as autoridades, após dois anos de aventuras na contramão da polícia, o banditismo romântico só chega ao fim no dia 23 de maio de 1934, após serem delatados por um infiltrado na gangue.

O casal fora da lei, que nunca demonstrou receio de apertar gatilhos e disparar contra quem cruzasse seu caminho, acaba capturado, em uma emboscada armada, numa estrada de Louisiana, sul dos EUA, e executado com dezenas de tiros.

O mesmo acontece com o carro, atingido por mais de 100 balas de diversos calibres, em uma operação comandada pelo capitão Frank Hamer, um “Texas Ranger” (RENATO CAETANO).

A famigerada dupla aterrorizou os Estados Unidos, na década de 1930, com suas ações condenadas, ética e moralmente, como assaltos e assassinatos. A título de ilustração, gostaria de justificar o emprego do adjetivo grifado, “famigerada”, no lugar de “famosa”. Este dever ser empregado, quando alguém se notabiliza por conta de gestos e procedimentos nobres e, consequentemente, louváveis, merecedores de aplausos e elogios. Já o que empreguei, em referência ao casal de bandidos, carrega uma forte carga de conotação pejorativa, negativa, quando o “notável” se destaca por suas ações subversivas, ou seja, que vão contra a ordem estabelecida; atitudes ilegais, em suma.

O "show", com músicas de FRANK WILDHORN, letras de DON BLACK e libreto de IVAN MENCHELL, é inspirado num filme, de 1967, que mostrava quão audaciosa era a dupla, quando planejavam suas condenáveis ações. Coragem, ousadia e determinação jamais faltaram aos dois gângsteres.

Depois do enorme sucesso, de público e de crítica, na Broadway, onde estreou em 2011, o espetáculo chegou ao Brasil, trazendo duas indicações ao “Tony Awards”, além de três ao “Outer Critics Circle Awards” e cinco ao “Drama Desk Awards”, nos dois últimos, incluindo Melhor Novo Musical, o que, não se pode negar, são excelentes credenciais, depois de uma recente temporada de sucesso, em 2022, no West End, de Londres, com ingressos esgotados, onde voltou ao cartaz, quase que simultaneamente com a montagem brasileira, em março deste ano.

Como seu grande objetivo, Bonnie desejava alcançar o sucesso, como artista e poetisa. Clyde, fissurado por carros, sonhava viver sem se preocupar com dinheiro, ganho “facilmente”. Juntos, eles somam forças, em uma luta declarada contra o sistema e, instigados por um desejo de vingança, caem na estrada sem rumo, mas mantendo sempre o contato com parte da Gangue Barrow, formada, também, pelo irmão bandoleiro de Clyde, Buck (CLAUDIO LINS), e a cunhada Blanche (ADRIANA DEL CLARO).

Há quem consiga estabelecer um paralelo entre o casal norte-americano Bonnie/Clyde com o brasileiro Lampião/Maria Bonita. Acho bastante viável a comparação, quando nos fixamos apenas na questão do desejo de ambos, por vingança, pelas injustiças da vida para com o quarteto. Além disso, percebo que, em todas as obras que giram em torno de Virgulino Ferreira da Silva (Lampião) e Maria Gomes de Oliveira (Maria Bonita), sempre há um tratamento romanceado, da mesma forma como enxergo o que os autores deste musical atribuem a seus protagonistas, sem que isso possa ser considerado algo que deponha contra a peça, uma OBRA DE ARTE, que, como tal, comporta "licenças poéticas".

A grande maioria das informações que constam nestes escritos me chegou às mãos pela assessora de imprensa da peça, GRAZY PISACANE (GPress Comunicação), a quem agradeço.

Sinto uma considerável aversão por espaços como o 033 Rooftop do Teatro Santander, que não é, propriamente, um Teatro, mas, sim, uma casa de “shows”. É desconfortável, principalmente para quem vai assistir a um espetáculo de média ou longa duração, como nos musicais, entretanto esse incômodo acaba ficando em segundo plano, compensado pelo prazer de se assistir a uma montagem de tão alta qualidade, como a merecedora desta crítica.

Pela terceira vez, tive a oportunidade de assistir a musicais ali. Na primeira, vi “Sweeney Todd - O Cruel Barbeiro da Rua Fleet”, e a configuração – mesas e cadeiras – era a mesma que a de agora. Na segunda, o espetáculo foi “Ney Matogrosso – Homem com H”, quando os lugares eram as mesmas cadeiras de agora, mas sem a presença das mesas, na formatação de um auditório.

Como não assisti ao filme, baseado no livro de Paul Schneider, não me sinto à vontade para avaliar o trabalho de transposição de uma OBRA DE ARTE, da tela para o palco, contudo, voltando minha lente de aumento para o aspecto dramatúrgico, fiquei bastante satisfeito com a arquitetura dramática, assim como os ótimos diálogos e a qualidade das canções, que entram, no espetáculo, como as peças necessárias para a construção de um quebra-cabeças, pelo que congratulo os autores do original e quem foi responsável pela tradução do texto e versão das letras, RAFAEL OLIVEIRA. Agradáveis são as melodias, voltadas para os ritmos que fizeram sucesso, naquela época, principalmente o “swing”, uma vertente do “jazz”. A trilha sonora original vem com 22 canções, repletas de elementos do “country”, “western”, “blues” e “pop”, da Broadway. Creio que, já aqui, cabem elogios à excelente direção musical, de THIAGO GIMENEZ, e à banda que toca ao vivo, a cujos nomes dos musicistas que a formam não tive acesso.

JOÃO FONSECA, com larga experiência como diretor e, especificamente, na direção de musicais (“Tim Maia Vale Tudo – O Musical”, “Cazuza – Pro Dia Nascer Feliz – O Musical”, “Cássia Eller – O Musical”, “O Grande Circo Místico”, “Bilac Vê Estrelas” e “O Beijo no Asfalto – O Musical”, apenas para citar alguns.), foi felicíssimo, com a sua proposta de trabalho, explorando o talento individual de cada um do elenco e, tirando partido do espaço de que dispunha, estabelecendo marcações certeiras e criando um espetáculo bastante dinâmico, com muitas entradas e saídas por diversos locais do espaço cênico, sempre surpreendendo a plateia. Em determinados momentos, numa atitude acertada, a direção optou por fazer com que alguns atores interajam com o público, dizendo-lhes algumas coisas, geralmente engraçadas, bem próximos às mesas e, até mesmo subtraindo algum petisco “dando sopa” na mesa.

Os espetáculos de TEATRO, quando encenados no 033 Rooftop do Teatro Santander, sempre são um grande e salutar desafio para os cenógrafos, pelo fato de não haver um palco italiano. Nos dois musicais que lá eu havia assistido, anteriormente mencionados, notei um total e excelente aproveitamento do espaço e, agora, CÉSAR COSTA não agiu de forma diferente. É ótima a cenografia criada, quer naquilo que dela há de explícito, quer nas cenas em que apenas alguns elementos cênicos nos sugerem o lugar em que elas se dão, um criativo e profícuo exercício de imaginação, para o espectador.

Fiquei muitíssimo bem impressionado com os figurinos, desenhados pelo premiado JOÃO PIMENTA, um dos meus favoritos nesse ofício. São todos, ou quase todos, confeccionados nas cores preto e cinza, muito fiéis, como deveria mesmo ser, às características da moda da década de 1930. Acrescente-se a isso o belo acabamento e o exato caimento das peças em quem as usa. O figurino contribui, e muito, assim como a cenografia, em se tratando da paleta de cores utilizada, para que seja atingido o tom “noir” do espetáculo.

Para a criação desse universo, dialogando com os dois elementos de criação citados ao final do parágrafo anterior, chegou um carioca, PAULO CESAR MEDEIROS, um “craque da luz”. Aplaudo, de pé, seu trabalho, nesta obra, como já o fiz tantas vezes, e guardo belas imagens criadas pelo “triálogo” cenário / figurino / iluminação.

Sempre que assisto a musicais, preocupo-me com a qualidade do som, principalmente na hora da execução das canções, uma vez que as letras destas fazem parte do texto, ajudam a contar a história, e é necessário que o público não perca nada daquilo que é para ser ouvido. O som dos instrumentos musicais não pode abafar a voz de quem canta. Se não houver uma perfeita equalização, sempre haverá um risco de reclamações, justas, por sinal. Disso, TOCKO MICHELLAZZO entende, e bastante, a ponto de criar um desenho de som favorável a que se perceba qualquer ruído emitido durante o espetáculo, quando se fala ou quando se canta. Além disso, TOCKO nos brinda com uma fantástica sonoplastia, com fortes registros do barulho de tiros e outros sons, durante as cenas de fuga e perseguição, o que as enriquece, efetivamente, além de ajudar na criação de um ambiente de grande agitação e perigo.

Não existe musical sem coreografia, um dos mais importantes elementos de criação, no escaninho dos “criativos”. KEILA BUENO é a responsável por excelentes números de dança, eximiamente executados pelo elenco.

Por se tratar de uma peça de época, o visagismo, elemento ao qual, infelizmente, a crítica, via de regra, não atribui muito valor, tem, aqui, uma importância cabal. Além do “aporte” dos corretos figurinos, cada personagem se aproxima bastante da realidade, por conta do ótimo trabalho de MARCOS PADILHA.

E o que dizer do elenco da peça? Todos os adjetivos elogiosos, do léxico da língua portuguesa, talvez não fossem suficientemente adequados, para qualificar o trabalho em equipe e os individuais. O coletivo é excelente e destaques vão para alguns artistas, como os protagonistas, ELINE PORTO e BETO SARGENTELLI. Ambos, além de terem assimilado, totalmente, as características de seus personagens, guardam, entre si, uma enorme cumplicidade cênica, além de se colocarem, no palco como duas belas figuras humanas. O casal domina a técnica de interpretação, assim como se movimentam muito bem, leves e soltos, nas coreografias, e esbanjam talento quando cantam.

Numa posição entre os protagonistas e os demais membros do elenco, vejo dois coadjuvantes “de luxo”, representados por ADRIANA DEL CLARO e CLAUDIO LINS, que, por interpretarem personagens muito próximos à dupla dos principais actantes, têm mais chance de mostrar seu ótimo trabalho, não tivessem os dois larga experiência de placo.

Faço, porém, questão de registrar que todos os atores e atrizes do elenco, num total de 17 artistas, se apresentam da forma mais correta possível, “cada um no seu quadrado”, mesmo os que que interpretam personagens não tão importantes na trama. Fiquei “hipnotizado” pela voz do ator GUI GIANNETTO, que interpreta o Pastor, principalmente no número de abertura do segundo ato, o mesmo ocorrendo quando ALINE CUNHA (Eleonore) cantava. Que vozes abençoadas! Mais uma vez, volto a direcionar meus aplausos para THIAGO GIMENEZ, por conta do arranjo vocal, quando o coral da igreja se apresenta, “a capella”, interpretando uma canção que quase me levou às lágrimas, certamente, um dos pontos altos do espetáculo.

Ainda quero registrar que sempre aprecio muito o trabalho do ator PEDRO NAVARRO, o qual, na grande maioria das vezes, vejo em personagens engraçados e caricatos. Aqui, conheci uma outra faceta de interpretação de PEDRO, e a aprovo.

FICHA TÉCNICA:

Libreto: Ivan Menchell

Letras: Don Black

Músicas: Frank Wildhorn

Versões (Texto e Letras): Rafael Oliveira

Direção: João Fonseca

Assistência de Direção: Pedro Pedruzzi

Direção Musical: Thiago Gimenez

Assistência de Direção Musical: Leo Córdoba

Elenco: Eline Porto (Bonnie Parker), Beto Sargentelli (Clyde Barrow), Adriana Del Claro (Blanche), Claudio Lins (Buck), Aline Cunha (Eleanore), Aurora Dias (Cumie Barrow), Bruna Estevam (Jovem Bonnie), Davi Novaes (John), Elá Marinho (Governadora Ferguson), Gui Giannetto (Pastor), Lara Suleiman (Mary), Mariana Gallindo (Emma Parker), Oscar Fabião (Xerife Schmidt), Pedro Navarro (Ted), Rafael de Castro (Henry Barrow), Thiago Perticarrari (Delegado Johnson) e Yudchi Taniguti (Jovem Clyde)

Cenografia: César Costa

Figurinos: João Pimenta

“Design” de Luz: Paulo Cesar Medeiros

“Design” de Som: Tocko Michelazzo

Coreografia: Keila Bueno

Visagismo: Marcos Padilha

Direção de Arte: Gus Perrella

Assessoria de Imprensa: Grazy Pisacane (GRPress Comunicação)

Fotos: Stephan Solon

Produção: Del Claro Produções e H Produções Culturais

Patrocínio: Esfera e Santander Seguros e Previdência

SERVIÇO:

Temporada: De 10 de março a 14 de maio de 2023.

Local: 033 “Rooftop” do Teatro Santander (cobertura).

Endereço: Avenida Presidente Juscelino, 2041 – Vila Olímpia – São Paulo.

Capacidade: 380 lugares.

Dias e Horários: Sextas-feiras, às 20h; sábados e domingos, às 15h30min e às 20h.

Valor dos Ingressos: Setor VIP = R$250,00, Setor 1 = 220,00 e Setor 2 = 75,00 (Todos com valores de meia-entrada, para quem, legalmente, fizer jus ao benefício.).

CANAIS DE VENDAS OFICIAIS: Internet (com taxa de serviço): https://www.sympla.com.br/

Bilheteria Física (sem taxa de serviço): Atendimento Presencial: Todos os dias 12h às 18h. Em dias de espetáculos, a bilheteria permanece aberta até o início da apresentação. Não é possível o parcelamento em ingressos adquiridos na bilheteria.

Autoatendimento: A bilheteria do Teatro Santander possui um totem de autoatendimento, para compras de ingressos, sem taxa de conveniência, 24 horas por dia.

Formas de pagamento: Dinheiro, Cartão de Débito e Cartão de Crédito.

Classificação Etária:16 anos.

Duração: 145 minutos, contando com um intervalo de 15 minutos.

Gênero: Musical.

ATENÇÃO! Clientes Santander ganham 15% de desconto, nas compras no bar do 033 Rooftop.

Apresentado por MINISTÉRIO DA CULTURA, com patrocínio de ESFERA E SANTANDER SEGUROS E PREVIDÊNCIA

Não resta a menor dúvida de que “BONNIE & CLYDE” é uma superprodução impecável, digna de orgulho para os brasileiros, a ponto de, com o objetivo de proporcionar uma experiência ainda mais completa, para além do palco, em 2022, o trio de produtores, ADRIANA DEL CANTO, BETO SARGENTELLI e ELINE PORTO ter viajado até Curitiba, em busca da carcaça original de um Ford V8, igual aos utilizados pelos personagens reais da história. O carro foi restaurado, para ficar idêntico ao modelo original - em situação de pós captura -, hoje exposto em Las Vegas. O V8 é uma réplica exclusiva, recriada, especialmente, para o espetáculo, e está exposto, de forma acessível ao público, para que as pessoas possam se sentar ao volante e tirar suas fotos.